Ny

Medeltida turneringsplats

Medeltida turneringsplats


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Jousts och turneringar - Historien

Turneringar och dyster hölls ofta som en del av firandet av viktiga händelser under senmedeltiden fram till renässansen, och ofta var termerna utbytbara. Det kan tyckas konstigt idag, men kungar och furstar stoltserade över sin kampförmåga och tyckte om att sätta sin förmåga på prov vid dessa evenemang. Det medeltida idealet var att de som är värda kärlek skulle vara de bästa kämparna, och genom att göra det skulle hedra dem som älskade dem.

Dessa tävlingar var i huvudsak lagevenemang. Medan individuell skicklighet noterades och belönades, var det laget snarare än individen som vann eller förlorade. Den vanligaste indelningen var i hyresgäst och venan - effektivt de som höll marken och de som försökte ta marken, eller, för att uttrycka det i moderna sportmässiga termer, hemmalag och besökare. Resultatet avgjordes av vilket lag som fick flest poäng genom segrar (turneringar) eller attaints/ hits (joust). Några av poängblad har överlevt till denna dag.

Enskilda mästare erkändes ofta på båda sidor och var inte nödvändigtvis de som hade gjort flest segrar, utan de som hade kämpat mest modigt och skickligt i damernas ögon. Priserna var inte monetära utan ofta i form av ett token, till exempel en brosch eller bälte, som fortfarande kan vara av stort värde. En talande papegoja och en stor fisk har också spelats in som turneringspriser. Priserna delades ut av damerna, vanligtvis åtföljda av en kyss. En riktigt galant riddare beklagade ofta att han ångrade att han inte blev mästare, inte för priset eller berömmelsen, utan för kyssen!

Även om dessa tävlingar ofta utkämpades med trubbiga vapen som kallas ‘ fredsvapen ’, förblev det en farlig sport och många riddare, prinsar och till och med kungar skadades allvarligt eller till och med dödades. Detta bör dock inte vara för överraskande när vi tänker på att målet med spelen var att slå din motståndare underkastad med ett svärd eller yxa eller häva dem genom att rikta ett spjut mot huvudet medan de galopperar!

För den ultimata ryckupplevelsen, gå med oss ​​på Abbey Medieval Jousting Spectacular!


Knight and Medieval Jousting

Bild från (Codex Manesse på pergamentmaterial -XIV -talet) som visar hertig John från Brabant som går till strid. Han uppnådde sin seger i slaget vid Worringen 1288 men han dog 1294 av konsekvenserna av en turneringsskada. Bildkälla Universitätsbibliothek Heidelberg

Medeltidsturneringen är en av de bestående bilderna på medeltiden, med riddare som kämpar för att imponera på vackra och ouppnåeliga damer. I själva verket var stöttning en farlig sport och deltagarna genomförde år av träning innan de riskerade sin säkerhet i en turnering. Jousting var mest populärt mellan tionde och femtonde århundradet. Det var en snabb och färgglad åskådarsport, med riddare som rider på hästryggen, dekorerad med adelsvapnet som de representerade. En turnering hölls på ett fält som kallades listorna och under den senare medeltiden hade slott ofta sina egna listor inom räckhåll för slottsbyggnaderna. Dagar före stötet samlades riddarna som deltog i området, med riddarens vapen utställda vid fönstren på hans logi. Listor skulle publiceras före den stora händelsen, med namnet på kombattanterna, turneringsreglerna och typen av strid och tillåtna vapen.

Körningssporten gynnades av kungar och adelsmän eftersom det var ett sätt att hålla riddare i toppkampförhållanden och utveckla sina krigskunskaper, som kan behövas när som helst. Knights tyckte om turneringarna eftersom de hade stridens ära och spänningen i att bli betraktade av en uppskattande publik, utan obehag av ett krig som utkämpades långt hemifrån. Traditionellt skulle en riddare rida på en turnering för en dam, vanligtvis någon som var gift och över honom på social skala. Damen skulle ge henne nåd, något som ett hårband eller näsduk, och riddaren skulle rida med favören fäst vid sina kläder under turneringen.

För att starta rycket skulle en herald signalera laddningen och hästarna skulle ladda mot varandra, var och en ridade av en riddare beväpnad med en lans (en lång stolpe vanligtvis gjord av trä). Syftet med stöttningen var att ta bort motståndaren, men ibland delades poäng ut för att slå den andra riddaren. Om ingen av riddarna var avsatt från hans häst, skulle de två männen vända sina hästar och ladda mot varandra igen.

Hästar i Jousting

De hästar som användes för språng föddes för en tung vikt och tränades för att springa med den exakta hastighet som behövs för laddningen utan att rinna. Hästen måste vara tillräckligt stark för att bära riddaren och rustningen och vara tillräckligt lugn för att uppträda inför en jublande skara. I tidiga turneringar skulle förloraren i en laddning förlora sin häst till den vinnande riddaren. Allteftersom åren gick fick vinnaren oftast pengar istället.

Skador under en medeltida turnering

Oavsett priset löpte deltagarna stor risk och det var inte ovanligt för en riddare att bryta ben som faller från hans häst eller från ett slag från en motståndares lans. Dödsfall var inte ovanligt. Ett anmärkningsvärt exempel från 1379 var en ryckolycka med den andra jarlen av Salisbury som dödade sin egen son under en turnering. Allteftersom medeltiden fortskred blev striderna vid ett ryck mer ritualistiska och ryttarna var i mindre fara, med showmanship och ceremoni som blev viktigare än risktagande. Vapenstadgan för turneringar från 1292 var en vändpunkt i språngets historia och föreskrev att riddare måste följa riddarregler. Lanser var nu trubbiga och publiken förväntade sig att se bra ridning och fair play, snarare än en kamp till döds.

Barter, James, A Medieval Knight, (The Working Life) [Lucent Books, 2005]

Författaren R. Bellerby publicerade denna artikel för första gången i mars 2008.


Melee a Pied

Bekämpning till fots var en del av vissa turneringar, vilket återspeglade krigets verklighet. Från slutet av 1200-talet och framåt lyckades infanteriet alltmer besegra monterade vapenmän med sådana berömda strider som den skotska segern vid Stirling Bridge. Vapenmän hade alltid behövt veta hur man kämpade till fots, både för belägringar och för när de blev utan häst. Nu kämpade de ofta till fots från början av striden, vilket visas av engelsmännen vid Crécy, Poitiers och Agincourt.

De närkamp en pied, eller strid till fots, blev en populär del av turneringar. Stora adelsmän skulle ibland investera lika tungt i utrustning för detta som i deras ryckpansar. British Royal Armouries i Leeds innehåller flera rustningsdräkter byggda speciellt för Henry VIII att bära i turneringar, och vars design var helt klart för att slåss till fots snarare än från sadeln. Vid minst ett tillfälle beställde Henry en dyr ny rustning för en turnering, bara för att få ihop en annan från den rustning han redan hade, eftersom den specialdesignade uppsättningen inte skulle vara klar i tid.


Innehåll

Forntida redigera

Historien om scenkamp och skenstrid kan spåras till antiken, med Aristoteles som noteras att tragedi är konflikt mellan människor [2] eller att den kan spåras till ursprunget för den mänskliga arten och primatuppvisande beteende. Visning av krigisk skicklighet är en naturlig förekomst i krigarsamhällen, och ritualiserade former av skenstrider utvecklas ofta till krigsdanser. Oavsett om det är kampen mellan männen och kvinnorna i Aristofanes Lysistrata i antikens Grekland eller forntida Egypten där Herodotos i sina historier talar om en religiös festival där de slår varandra med stavar men ingen dör, har iscensatt strid alltid funnits. [3] Eftersom det inte är vettigt att offra medborgare i ritualer, vände många gamla civilisationer sig till symboliska stridsgester genom att dansa eller föra ett vapen till någons hals eller nacke utan att vidröra dem för att symbolisera döden eller en våldshandling. [ citat behövs ]

Postklassisk redigering

Strider som arrangeras för underhållning kan också vara på allvar för de stridande, vilket var fallet med de romerska gladiatorerna och alla offentliga dueller, till exempel den europeiska medeltidens rättsduell. Den medeltida turneringen och stöttningen är ett klassiskt exempel på tävlingsritualiserade skenstrider. Stoppet från Maximilian I: s tid utvecklades till en sport med enorma kostnader för varje riddare och motsvarande hög prestige tillhörande, jämförbar med samtida Formel 1 -lopp, samtidigt som risken för skador minimeras med högspecialiserad utrustning.

På senmedeltiden blev iscensatta fäktningsanfall, med eller utan koreografi, populära hos fäkteskolor. Vissa tyska fechtbuch ("stridsmanualer", bokstavligen "slåss" eller "staketbok") har avsnitt avsedda för flamboyanta tekniker för att användas i sådana Klopffechten ("knockabout slagsmål"), vilket skulle vara opraktiskt i seriösa strider, och de senmedeltida tyska mästarna skiljer skenstrider (fechten zu schimpf, 'rant fighting') och verklig strid (fechten zu ernst, "allvarliga strider").

Historien om europeisk teaterkamp har sina rötter i medeltida teater och blir påtaglig i elisabethanskt drama. Richard Tarlton, som var medlem i både William Shakespeares skådespelarföretag och i London Masters of Defense vapengill, var bland de första kampdirektörerna i modern mening. [4] Svärddueller som skildras i pjäser visade hur populärt tidsfördriv var i det verkliga livet. Före 1615 i England innehöll många pjäser dueller och duellerna betraktades som showens höjdpunkter. I motsats till efter 1615, när duell fördömdes offentligt av kung James och duellerna användes som en sista utväg när det gäller tomten. [5]

Modern redigering

Under slutet av 1600- och början av 1700 -talet har stiliserad scenstrid varit en grundläggande funktion i traditionell scenkonst i århundraden, till exempel på japanska Kabuki teater (som tachimawari "kampscener"), kinesiska Pekingoperan och indisk teater.

Staketmästare i Europa började forska och experimentera med historiska fäktningstekniker, med vapen som tvåhandssvärdet, rapier och smallsword, och att instruera aktörer i deras användning. Anmärkningsvärda bland dessa var George Dubois, en parisisk kampdirektör och kampsportartist som skapade performance -fäktningsstilar baserade på gladiatorstrid samt renässans -rapier och dolkstaket. Egerton Castle och kapten Alfred Hutton i London var också involverade både i att återuppliva antika fäktningssystem och i att undervisa skådespelare i dessa stilar. [6]

Under slutet av 1800 -talet och början av 1900 -talet skapades vanligtvis scener med svärdsspel i turnerande teateruppsättningar i hela Europa, brittiska samväldet och USA genom att kombinera flera allmänt kända, generiska rutiner som kallas "standardstrider", identifierade med namn som t.ex. "Round Eights" och "Glasgow Tens".

Filmstängsel har sina rötter på 1920 -talet, med filmerna från Douglas Fairbanks. En av de mer berömda slagsmålsregissörerna som dök upp under denna tid var Paddy Crean som revolutionerade scenstrid, särskilt svärdspel, för silverduken och teatern. Paddy skapade den flamboyanta stilen med svärdspel som bland annat kan ses i Errol Flynn -filmer. Han främjade användningen av säkerhet framför allt och fokuserade sedan på historien om kampen. [7] B. H. Barry och J. Allen Suddeth, studenter på Paddy Crean, är två kampmästare som har fortsatt att utveckla Paddys arv. Barry hjälpte till att grunda Society of British Fight Directors och kom sedan till USA för att ge kampriktningen en mer specifik form. [8] J. Allen Suddeth grundade National Fight Directors Training Program i USA och skrev boken "Fight Direction for the Theatre" (1996). [9] Kampsportfilmer framstår som en distinkt genre från 1940 -talet, populariserade av Bruce Lee och Sonny Chiba från 1960 -talet.

Från och med mitten av 1960-talet var John Waller, en pionjär inom väckelse av den engelska historiska europeiska kampsporten (HEMA), en kampdirektör för scen och skärm, och senare lärare i scenstrid vid Londons dramaskolor, med tonvikt på historisk realism. [10] Informella guilder för kampkoreografer började ta form på 1970 -talet med etableringen av The Society of British Fight Directors, 1969 till 1996. Utbildning etablerades i USA med bildandet av Society of American Fight Directors 1977.

Efter detta har ytterligare akademier och föreningar över hela världen etablerats för att upprätthålla hantverket, utbildningen och kvaliteten på arbetet i konstformen av scenkamp nationellt och internationellt, inklusive: British Academy Of Stage & amp Screen Combat (BASSC) och Fight Directors Canada (FDC) 1993 Society of Australian Fight Directors Inc. (SAFDi) 1994 Nordic Stage Fight Society (NSFS) och New Zealand Stage Combat Society 1995 British Academy of Dramatic Combat (BADC, tidigare känd som The Society of British Fight Directors) 1996 Art of Combat 1997 Stage Combat Deutschland 2004 och Australian Stage Combat Association (ASCA) 2010 The British Guild of Stage Combat 2015. Från och med 2005 erbjöd East 15 Acting School, London en BA (Hons) Examen i Skådespelare & Stage Combat. Många av samhällen erbjuder certifieringsprogram för olika vapen, vilket används som en indikator på hur mycket utbildning en skådespelare har haft.

Scenstridsträning omfattar obeväpnade stridskunskaper som illusoriska slag, slag, sparkar, kast- och hålltekniker teateranpassningar av olika fäktningsformer såsom rapier och dolk, smallsword och bradsord, samt användning av andra vapen, särskilt quarterstaff och knivar och mer specialiserade färdigheter som professionell brottning och olika slags kampsport. Scenstrid kan emellertid omfatta alla former av koreograferat våld och alternativen begränsas endast av säkerhetshänsyn och de inblandade deltagarnas förmåga. Som en anteckning är de flesta av dessa tekniker hämtade från faktiska stridstekniker, men modifierade för att vara säkrare för skådespelare. Till exempel, även om det finns ett antal sätt att skapa en säker illusion av en smäll i ansiktet (vilket uppenbarligen är något som verkligen kan göras i strid), innebär inget av dessa att man faktiskt tar kontakt med offrets ansikte.

Det överdrivna bekymret är för skådespelarnas och publikens säkerhet. Detta krav har lett till anpassning av många vanliga kampsporter och fäktningskunskaper specifikt för prestanda. Till exempel måste många grundläggande svärdsattacker och parrier modifieras för att säkerställa att skådespelarna inte tar med sina vapens punkter förbi sin partners ansikte eller på annat sätt oavsiktligt riskerar den andra aktörens hälsa och välbefinnande. Angripande åtgärder i scenstrid sträcker sig förbi prestationspartnerns kropp, eller riktas kort från deras uppenbara mål. På samma sätt, medan deras karaktärer kan vara engagerade i ond, obeväpnad strid, måste skådespelarna arbeta på en hög grad av medvetenhet och kommunikation för att säkerställa en säker, spännande kampscen. I många former av scenskamp är avstånd en nyckelfaktor i tekniken. Många attacker utförs "på avstånd" så att det inte finns någon möjlighet att den ena artisten av misstag träffar den andra. Avsevärd professionell bedömning krävs för att avgöra vilken teknisk nivå som kan vara lämplig för en given artist, med beaktande av tilldelad repetitionstid och direktörens förväntningar.

Ett annat viktigt inslag i scenkamp är ljud. Ljud ökar trovärdigheten för en handling för publiken. Det finns två typer av ljud som kan göras. En är röstreaktioner. Genom att lägga till ett flämtande, stön eller grunt när de träffas får stridarna liv i rörelserna. Den andra typen av ljud är en knäppning eller ett slagverk som görs genom att slå en resonansdel av kroppen. [11] Detta är tidsinställt till det ögonblick som en påverkan skulle hända och är iscensatt så att det är dolt för publiken. Detta gör att publiken kan tro att ett riktigt slag eller slag har landat eftersom de hör ett motsvarande ljud och ser en reaktion.

Stridsfasen i en repetition kallas en kamprepetition. Koreografi lärs vanligtvis steg för steg och övas först mycket långsamt innan det ökar till en hastighet som är både dramatiskt övertygande och säker för artisterna och deras publik. Även scenstrid är riskabelt, och det är att föredra att aktörer har så mycket utbildning och erfarenhet som möjligt. Ett "fight call" eller en kort repetition innan showen utförs varje gång, avsatt för skådespelarna att "markera" genom kampen för att öka deras muskelminne. En föreställning som involverar kampkoreografi kommer vanligtvis att utbildas och övervakas av en professionell kampkoreograf och kan också innehålla en slåss kapten, som driver fight call och ser till att skådespelarna förblir säkra under hela showen.

Kampstilarna i filmer från medeltiden eller renässansen kan vara orealistiska och historiskt felaktiga. De flesta kampkoreografer använder en blandning mellan asiatisk kampsport och sportstängsel för att återskapa kampscener. Detta beror i allmänhet på utseendet på striderna som regissören efterfrågade. Om regissören vill att historien ska flöda på ett visst sätt, så kommer kampdirektören att koreografera striderna för att passa den stilen och berätta historien.

För scenkamp bör alla kanter slits och punkterna trubbas så att det inte finns någon risk för allvarlig skada om någon råkar sticka. Dessutom bör vapen som används, och inte bara för utställning, vara certifierade som stridsklara, och därigenom förhindra olyckor med blad som av misstag bryts av.

Melee Edit

Närstridsvapen används i stora stridscener och kan innehålla spjut, yxor, tröjor, fläckar och mer. Det här är andra vapen som bäst används i stora spelutrymmen där det finns plats att arbeta på säkert avstånd.

Stick-fight Redigera

Kvartspersonal används på shower som utförs i stora spelutrymmen på grund av vapnets stora storlek. Mest populära kvartspersonalstrid är den mellan Robin Hood och Little John i sagan om Robin Hood från 1600 -talets ballad. Modern koreografi för kvartspersonal har också integrerat teknikerna för bō-personalen från den japanska kampsporten Tenshin Shōden Katori Shintō-ryū som uppstod omkring 1447. Exempel på denna stil kan ses i den berömda Kabuki-pjäsen Yoshitsune Senbon Zakura skrivet 1748. [ citat behövs ]

Asian Edit

Andra vapen som en katana, ett svärd i japansk stil som är böjt på ena sidan och nunchuckar kan också användas på scenen. Dessa kräver mer detaljerad studie av japansk kampsport. Scenkampversioner av nunchucks kan köpas som är skum istället för trä, vilket minskar risken för skådespelarna.

European Edit

Ett stort svärd som vanligtvis användes under tidig medeltid i Europa. Bredordet var känt för sitt stora fäste som gjorde att det kunde svängas med båda händerna på grund av dess storlek och vikt. Används för att hugga snarare än för att sticka, det här vapnet används i pjäser som spelats in under denna period som Shakespeares Macbeth och ses också i fantasyepos som Sagan om ringen.

Första skolan som instruerade om korrekt användning av rapiren i England startades 1576 av Rocco Bonetti från Italien. [12] Bonetti tog över hyresavtalet från dramatikern John Lyly för att öppna sin skola i Blackfriars. [13] Rapiern har fördelen av dragkraften över snedstrecket vilket innebär att det kan vara ett mycket mindre och lättare vapen än det breda ordet. Det är populärt i Shakespeare -pjäser som Romeo och Julia och Liten by där dueller utförs och kan användas i kombination med en dolk.

Det lilla ordet kom till mode i England och Frankrike i slutet av sjuttonhundratalet. [12] Det användes som ett skjutvapen och så hölls svärdets rörelser minimala för att hitta öppningen som ett drag kunde landa. De flesta män i perioden bar småord som modeaccessoarer så de flesta var elegant utsmyckade. Ett exempel på en liten duell kan ses i Les Liaisons Dangereuses av Christopher Hampton skriven 1985, baserad på romanen 1782 med samma namn.

Det finns många knivbekämpningsstilar från Bowie -kniven till ett switchblad. Knivstrider tenderar att ha snabba skarpa rörelser. Ett exempel på detta kan ses i West Side Storystrid mellan Riff och Bernardo. Ofta i pjäser är det dock en skådespelare med en kniv mot någon som är obeväpnad som i akt I av Georges Bizets opera Carmen, skriven 1875.

Svärdet och sköldarna som används i scenkamp är vanligtvis runda och är tillräckligt starka för att de kan användas som ett defensivt och offensivt vapen. Ett viktigt element i att använda en sköld är att hålla sköldarmen i en övre diagonal så att knytnäven är högre än armbågen så att sköldens ovansida inte rör sig när den träffas och faran träffas i ansiktet med skölden eller vapen som används för att slå det kan undvikas. Svärd och sköldar finns i stridscener som i Shakespeares Wars of the Roses historia.

Vapen Redigera

En häftklammer av moderna actionfilmer på grund av dess visuella skådespel, ett resultat av ofta imponerande koreografi och stuntwork.

Kroppar och flaskor Redigera

Detta består av hand till hand -strid utan vapen. Delar av obeväpnad strid inkluderar bland annat slag, slag, sparkar, tag, kvävningar, fall, rullar, gripande, bland andra. Många slagsmålsföreståndare förlitar sig på kombinationer av rörigt gatukrig och kampsport som aikido och brasiliansk jiu-jitsu för att skapa slagsmål av denna karaktär. Generellt vanligare i moderna samtida pjäser, efter att svärd har gått ur stil men också setts i äldre pjäser som Shakespeares Othello när Othello stryper Desdemona.

Hittade föremål är föremål som inte traditionellt är vapen men som kan användas i scenens sammanhang. Ett klassiskt exempel på detta är att bryta en flaska över någons huvud. Som med alla etappstrider är föremålen riggade för att faktiskt inte utgöra någon fara för mottagarna. När det gäller flaskor eller tallrikar används sockerglasformar snarare än egentliga glasflaskor.

Kampkoreografi kan variera mycket från sann realism till direkt fantasi beroende på kraven för en viss produktion. En av de största anledningarna till att teaterstridsregissörer ofta inte siktar på strikt realism är att livepubliken inte lätt kunde följa handlingens "historia" om kroppar och blad rörde sig på det sätt som utbildade krigare skulle flytta dem. Till exempel en produktion av Cyrano de Bergerac, av Edmond Rostand, med hjälp av 1600-talets rapers, kan visa Cyrano göra många cirkulära snittattacker. Men en mer effektiv, praktisk attack skulle ta en snabbare, mer direkt linje till motståndarens kropp. Men kampdirektören vet att publiken inte kunde följa handlingen också om attackerna var snabbare (publiken kanske knappt skulle kunna se de tunna bladen piska genom luften), så de flesta kampkoreografer skulle göra val för att hjälpa publiken följ berättelsen. Naturligtvis är detta beroende av produktionen, regissören och andra stilistiska val.

En koleograf av en kampskola tyckte att en ovanlig aspekt av levande scenstrid, till exempel i en pjäs, är att publiken kommer att reagera negativt på till och med simulerat våld om de fruktar att skådespelarna skadas: till exempel om en skådespelare verkligen får ett slag i ansiktet kommer publiken att sluta tänka på karaktären och istället oroa sig för artisten. Publiken kan också frukta för sin egen säkerhet om stora stridscener verkar vara utom kontroll. Därför är scenstrid inte bara en säkerhetsteknik utan är också viktigt för en publik att upprätthålla oavbruten avstängning av misstro.

På teater Redigera

Med sina rötter i medeltida teater går scenstrid in i klassisk teaterkoreografi med elisabethanskt drama (Shakespeares enkla och ofta sett scenregi, de slåss).


Rustning

Jousting var populärt från högmedeltiden fram till början av 1600-talet, när det ersattes som höjdpunkten för hovfestligheterna med stora "hästballett" -skärmar som kallas karuseller, även om icke-stridstävlingar som ringtilt varade till den 18: e århundrade.

Under perioden var stöttning populär, rustning utvecklades från kedjepost (kallades helt enkelt post på den tiden), med en rejäl, tung hjälm, kallad "stor hjälm" och sköld.

Vid 1400 bar riddare fulla kostymer av plattan rustning, kallad en "sele". En full sele inkluderade ofta extra bitar speciellt för att användas i stöttning, så att en lätt militär stridsdräkt kunde förstärkas med tyngre, "påskruvade" skyddsplattor på kuveran (bröstskölden) och hjälmen, och även med stötspecifik arm och axelbitar, som bytte rörlighet för extra skydd. Dessa extra bitar var vanligtvis mycket starkare på den sida som förväntades ta slag av lansen.

Ibland användes speciella stöthjälmar, gjorda så att bäraren bara kunde se ut genom att luta sig framåt. Om bäraren rätade sig strax före lansens stöt, skulle ögonen vara helt skyddade. Vissa senare dräkter hade en liten sköld inbyggd i vänster sida av rustningen. I vissa fall var detta fjäderbelastat för att flyga i bitar om det träffades ordentligt av motståndarens lans.

Lans

I modern tid görs stötar ofta för show- eller demonstrationsändamål, och lanserna som används är vanligtvis gjorda av ljust trä och förberedda så att de lätt går sönder ("frossa"). Lanser är ofta dekorerade med ränder eller färgerna på en riddares vapen. I en riktig stöt var lanserna av massiv ek och en betydande strejk behövdes för att krossa dem. Emellertid skulle de (trubbiga) lansarna vanligtvis inte tränga in i stålet. De selar som bärs av riddarna kantades på insidan med mycket trasa för att dämpa slaget från lansen.


Medeltida musik

Min version av den traditionella keltiska engelska folkvisan Greensleeves. Instrument: flöjt, orkester, akustisk gitarr, fiol, trummor, bas. Bäst för keltiska filmer, spel, trailers.

Högtidlig bakgrundsmusikslinga med en keltisk smak, med säckpipor. Perfekt för traditionella medeltidsfestivaler, medeltida England, Skottlands kultur, skotsk historia, patriotisk kampanj, historiskt drama i episk skala, som Braveheart.

Det är en saga som tar dig från marken och tar dig till okända avstånd, till en värld av fantastiska äventyr, världen av orädda hjältar, vackra prinsessor, förrädiska skurkar, monster och trollkarlar. Du blir hjälten i denna berättelse - lyssna, njut och dröm! Det är enkel magi. Humör: keltiskt, fantasi, medeltida, episkt, magiskt, fabel, drömmande. Instrument: fiol, flöjt, gitarr, mässing, pizzicato strängar, episka trummor, obo.

Medeltida musik med förtrollad stämning om fantasivärldar, gamla hjältar och sagor. Instrument är violin, cello, orkester, episka trummor, taikotrumma, flöjt, obo. Bäst för RPG -videospel, filmer, trailers, youtube -videor.

Explosiv filmisk poäng om hjältemod och mod, ära och tapperhet. Som ett soundtrack till Game of Thrones har den den där medelåldersvibe, med livets prövningar och svårigheter i en maktkamp. Bäst för historiska filmer, filmtrailers, videospel eller Kickstarter -kampanjer.

Modernt gotiskt spår. Medeltida humör. Gregoriansk kör blandad med trendiga trummor och slingor.

Denna keltiska ballad tar dig med på en fredlig resa till den underbara medeltida världen. Med flöjt, akustisk gitarr och fiol skapar atmosfären i det gamla slottet. Denna medeltida bakgrundsmusik visar mod, ära och ridderlighet. Den här låten framkallar den tid då kärleken är inne och svärdstriderna blir musik.

En märklig, autentiskt medeltida musikslinga med varg -ylande ljud. Lämplig för historiska dokumentärer om antik värld, medeltida liv, kungliga slott och avlägsna tider.

Tri Martolod - är en traditionell bretonsk sång från 1700 -talet i nedre Bretagne. Texterna berättar om tre unga sjömän som ger sig ut på Newfoundland och historien lägger sig snabbt i en romantisk dialog. Musiken är en runda i tre steg som är typisk för södra Cornouaille och vanlig i de bretoniska kustområdena.

Traditionellt keltiskt spår med traditionella irländska instrument som Irish Fiddle, Dulcimer, Penny Whistle och Tambourine. Tempot är snabbt och optimistiskt, med en irländsk jiggtang som gör det användbart för reklam eller TV -reklam som innebär skratt, kul och glädje i Irland. Passar även för äventyrsproduktioner, upplyftande och otroligt filmiska tomter, medeltida slott, riddare och mässor, etc.

Adventure Time - keltisk medeltida taverna -ballad i fantasistil om antika riddare, tomtar, magiska äventyr. Instrument: fiol, flöjt, gitarr, mässing. Bäst för spel och videor.

En medeltida glad festmusik lämplig för renässans, högtider, karnevaler och sagolandskap. Med en akustisk gitarr, cembalo, fiol och flöjter. Kan användas i spel och filmer med högtider i gamla tider när det fanns kungar, drottningar och domstolar.

Denna fantastiska melodi i medeltida episk stil är villkorligt uppdelad i 4 delar. I den första hittar du den mystiska, magiska melodin av sagoskogen, mystisk nedsänkning i den mörka djupet av oskuldens natur. Dessutom får musik alarmerande känslor av okänd fara, dolt hot och kamp för överlevnad. Den tredje delen är lugnande, den påminner oss om att det i den magiska skogens vildmark finns vackra, snälla och ljusa platser fyllda med sol och blommor. Den sista delen berättar om livsenergi, hjältemod och förmågan att övervinna alla svårigheter, den mänskliga andens styrka och mod. Melodin slutar med samma nyanser av ångest och fara, hjältens okända öde. I allmänhet kan melodin beskrivas som en fantasi -allegori om mänskligt liv.

Keltisk morgon vacker lugn folk gammal ballad, i keltisk irländsk medeltida stil. Instrument: akustisk gitarr, flöjt, fiol, lite orkester. Bäst för släpvagnar, film, videospel, vardagsspel, mobilspel.

Detta episka, medeltida orkestrala filmspår. Bäst för alla typer av produkter inklusive äventyrsscen i ett spel eller film. Beskriver medeltida, keltisk stämning. En fiolstaccato -början växer till ett slagande åska, efter det spelar den vackra hornmelodin och slutar med några starka fiolstaccatos.

Episkt spår med massor av medeltida instrument som den härliga gurden eller dulcimern. Perfekt val för filmiska applikationer i filmer eller spel.

Ett verkligt filmiskt spår tar dig med på en episk resa långt borta från vardagens rutin till den medeltida fantasivärlden full av erövringar och triumfer. Det börjar med intensivt och majestätiskt orkesterljud, vilket leder till ett spännande klimax. Lämplig för heroiskt berättande, piraters äventyr eller episka stridscener. Ljudspår likadant för Game of Thrones Pirates of the Caribbean.

Ett dramatiskt japanskt taiko -trumspår. Perfekt för filmer, videospel och alla medier som handlar om samurai, ninja, karate och japansk historia.

Medeltida och keltiskt spår med harpa, nyckelharpa och flöjt. Perfect for medieval and fantasy video games and documentaries.

Dragon Hunters is an epic medieval track that brings back the spirit of a fairytale. It has a truly heroic mood and would capture the imagination of your listeners. Full of adventure, courage, and taste to win. It would make a wonderful addition to your project, whether it be a film trailer or a video game about ancient times, knights, and castles. Instruments are pizzicato strings, orchestra, epic drums, violin.

Emotional, powerful orchestral track, conveying respect, honour and dignity. Ideal for trailers, promos, and projects that need a poignant score. An ideal choice for Hollywood productions, epic movie trailer, fairy tales about knights and kingdoms, big scenes and proud patriotic moments, medieval theme video games, or historical documentaries.

Very touching melody performed by three flutes. It sounds a bit archaic and medieval. Sounds innocent and very gently.

Original epic medieval track, filled with colors of Slavic mythology, and the heroic Viking epos. A powerful folklore melody excites the imagination and takes it to a fairy tale with valiant warriors, brave travelers, beautiful girls, and amazing wild nature. The unique Slavic fantasy flavor is created by such instruments as Zhaleika, flute, violin, balalaika, orchestra, cello, epic drums, brass. The track is ideal for games and videos with Russian folk, Slavic themes, as well as reconstructions of historical events of the Slavic and Viking world.

A hypnotic, military bagpipe marching tune. Perfect for video games, video projects, St. Patricks Day events. Ideal for the historical documentary about Medieval Europe, Celts, the culture of Scotland.

An epic cinematic melody about Medieval times and heroes with courage and valor. Best for film trailers, historical movies, and video games with a fantasy plot. Also good for battle scenes where a brave knight fights against cruel monsters. Instruments are orchestral strings, drums, flute, brass.

Quirky and light little guitar playing very simple but emotion-full melodies. Sounds like Medieval times.

Short medieval style jig with Irish Celtic lilt melody. Very upbeat and catchy, with traditional hand clapping Irish styled melody. The instruments used include harmonica, acoustic guitars and mouth organ making it ideal for Irish themed advertising and TV broadcast projects.

Tavern Dance - is a new Celtic medieval track inspired by the legendary Witcher, in the spirit of a daring, energetic dance in a tavern. Original musical techniques recreate the emotional, cheerful atmosphere of the Ancient Tavern, where brave heroes, villains, and femme fatale allow themselves to forget about problems and embark on a frantic bright dance.

A delicate and dreamy acoustic harp solo. With a medieval and Celtic vibe, it would work really well in a fantasy setting as well. Perfect also for relaxation or meditation, ancient fairy tales, and fantasy books, cinematic goals, medieval film scenes, a beautiful soundscape, authentic performances.

Celtic music in medieval style. This composition portrays the expanse of the mountain and plains, rivers, and lakes of the ancient Celtic land. Incredible and powerful, this music will inspire everyone within sight or earshot. Instruments are violins, flute, and drums.

Gamalan and Bansuri Flute create this legendary, slightly epic slow composition designed to convey slow motion scenes for demonstration techniques or battle scenes conveying a medieval, acient legend edge . Very useful for relaxation purposes which may include martial arts or Tai Chi techniques for oriental purposes.

Village Festival is a loop with an Irish atmosphere, happy and rhythmic, with authentic strings, flute and violin. Great for rustic, medieval or Celtic style projects.

A dreamy and elegant medieval ballad about love and passion. This wonderful melody played first on the piano, but then strings join to create a rich and spectacular sound. Great background for fantasy films, heroic saga, historic documentary, epic video games, knights ready to fight for their beloved one.

This is triumphant, powerful music in cinematic orchestral style. Suitable for winners and conquerors, knights and warriors, victorious battles, and tournament. Instruments: cello, strings orchestra, drums. Best for the awards ceremony, video games, films.

Positive track with medieval melody. Featured instruments are synths and guitar. Good for casual flash games. It can be played in game menu or during gameplay.

Dangerous Escape - dramatic epic track, describes danger, fear, anxiety feelings. Best for action scenes, trailers, horror films, or games. Instruments: cello, orchestra, epic drums, violins.

Bonfire Dance - continues the cycle of Celtic epic Irish melodies. It's a magical story about riddles and fairy tales, kept for centuries in the shadow of an ancient mighty forest. This is an epic fantasy melody played by minstrels under the flashes of a night bonfire, the fable of medieval wanderings and adventures, victories and defeats, cowards and brave men, heroes, monsters and princesses. Instruments: guitar, flute, violin, cello, uilleann pipes, ancient drums. Best for games, films, YouTube videos.

Naughty Princess - Beautiful celtic melody in Irish slip jig style about fantasy kingdom, travel and adventures. Mood: Epic, medieval, cheerful, naughty, happy, fantastic, dreamy, magic, fairy. Instruments: strings orchestra, violin, cello, flute, darabuka, taiko drum, piano. Best for films, games, trailers, youtube videos.

Acoustic Celtic ballad in country-folk style. Great for peaceful moments, countryside nature, village life, mini-games for kids, prince and princess, as medieval traditional background and more.

Triumphant and dramatic Epic melody conjoins folk styles of fantasy Celtic, Slavic and Viking music. Instruments: Orchestra - strings, brass, woodwind, epic drums, solo violin and flute. Best for medieval fantasy games and films. Match to "Pirates Of The Caribbean" soundtrack.

Celtic, medieval piece. Perfecting for conveying a strange feeling of sadness, longing and wonder.

On a journey through music, we visit the magical world of the Baroque historic era. Imagine white mist floating around and gently tipping you towards a mysterious fantasy land, where everything is possible and nothing is improbable. Where magical dragons fly through the sky or fragile princesses ride away on unicorns. Where heroes are chasing their hopes and wishes riding griffins. Feels like these days we need this magical world more than ever, as it would give us the inner peace, serenity, and bliss. In the style of "Game Of Thrones" soundtrack.

A loop-ready, slightly dramatic tune that features acoustic guitars only in a style similar to a mid-tempo Sicilian tarantella. Suitable for projects involving the theme of romance, intrigue, European culture, Medieval history, dark age etc.

Beautiful medieval melody featuring flowing flute and dulcimer offers a slight Victorian style theme hinting at a romance, love or beauty story. The melody features English notes making it unique if applied to beautiful setting or surroundings such as garden, countryside, tourism or historical monument.

Celtic Irish epic ballad. This music will be best for film trailers, epic stories, video games, theatrical performances. Soaring guitar melodies and epic strings create a majestic atmosphere in the track. The piece is characterized by a soft steady beat of light drums, beautiful strings, and clapping elements.

Full-blown epic composition in medieval baroque style with dramatic mood and bombastic orchestral sound. Similar to Game of Thrones, or The Tudors soundtrack. Excellent soundscape for heroic cinematic plots, war games, opening intro, final triumph, film credits, documentaries about Middle ages, Valhalla heroes, honor, and eternal glory.

A celtic, medieval, guitar and harpsichord tune. Inspired for a fantasy rpg game.

A reflective, thoughtful, and tranquil Celtic background music. The harp solo sounds smoothly and gives a sense of peace and quiet. Perfect for cinematic projects, fairy tail narrations, forest elf games, Medieval documentaries, fabulous shimmer, and other project needing an outstanding folk soundscape.

A fun and jaunty loop featuring guitar, flutes, clarinet, and percussion that gives the feel of being the pomp and festivities of the renaissance and medieval times. Great for games!

Celtic fantasy music in epic ancient style about knights and dragons, spell and magic, heroism and valor, castles and fairytales. Instruments are violin, cello, flute, epic drums, orchestra, woodwind. Best for RPG games, fantasy films, and videos.

The typical "Gloria" in Latin, with mixed choir and full and dramatic orchestration. The poignant character of the piece lends itself to cinematic purposes

An original medieval dance all played live with acoustic instruments (no samples were used). Perfect for fantasy video, games, projects or for documentaries. Very lively mood

Simple, nostalgic piano melody played with a sad touch. Suitable for melancholic mood, romantic scenes of medieval life, loneliness, pensive state of mind, etc.

Slow and good mood, inspired by the love for nature, green valleys and mountain rivers. Flutes develop the melody with a medieval feeling

Leprechauns dance - Energetic irish melody, celtic fiddle dance. Instruments: orchestra, solo violin, horn, big drums. Best for video game, trailer or film.

Easy country music mix of banjo, guitars and flutes. Suitable for rustic scenes, medieval folk fest, early morning in the village, countryside life, travel documentaries, nature videos, and any other kinds of multimedia projects.

A folk, Celtic-style guitar and flute piece. Great background music for rural scenes, medieval life, castles, taverns, historical documentaries, distant times and places.

A dramatic orchestral tune, that could be used for cinematic scenes in videogames or trailers. The tune has two parts, the first one has a melody that can't grow up until it can explodes in the second part.

Calm cinematic composition featuring Celtic-flavored orchestral theme. An ideal underscore for fantasy films or fairytale plots, distant dreamscape, enchanting storytelling, traditional Gaelic documentaries, beautiful nature landscape. It is based on piano, guitar, dulcimer, harp, strings instruments, cello, viola, bass, solo strings, flute, bells, percussion, drums and more. Similar to Game of Thrones HBO series.

This is modern classical ceremonial and celebratory-triumphant music with harpsichord, strings, piano and orchestral instruments leading. This track has great Baroque and Rococo atmosphere with fanfares and solemn mood. This royalty free background music will be perfect for cinematic videos with antique royal environment, ceremonial videos, triumphant and victorious videos, videos in the style of the 17th-18th centuries, historical and documentaries movies, films about medieval Europe and more.

Early medieval music came through the Church and Christianity. Liturgy within the religion was a traditional communal worship which included ceremonious music. This leads directly on to Gregorian chants, which were vocal-only sacred songs for Roman Catholics. These were originally sung by choirs, and whilst the simple repetitive monotone melodies can be sung alone, they are generally intended as congregational singing, whose structures can become much more complex and intertwined.

The influence if these psalms is evident both immediately after, in the Renaissance and Baroque periods, and by composers such as Bach and Mozart, and then more recently in entirely different genres. The feelings that Gregorian chants now evoke are both spiritual and unsettling, which are appealing effects for certain sounds. In new-age and world music, this was used seriously, peaking surprisingly with the album Chant by Benedictine Monks, and in extreme music such as heavy metal and techno it was incorporated to evoke an other-worldliness.

Movies have also used the stereotypical chants for their benefit, particularly in England, where it was affectionately mocked in Monty Python's Holy Grail, and eerily affecting in The Wicker Man.

Through the medieval period, there was also music played by instruments. The most common when relating to these sounds are woodwinds such as the flute, plucked such as the harp, and strings such the violin. Instrumental music was more likely to be played for secular, or non-religious, purposes. This could be as entertainment for theatre, at a congregation for dance, or at a court performance for aristocracy. The music was often rhythmic improvisations, but as singers were added to the instrumentals over the years, became increasingly structured into songs.

The influence of these also continues today, less so in popular music, but in genres that respect ancient traditions such as these. Both orchestral classical music and folk music at times use instruments, melodies and techniques from the sounds on the medieval period, and its powerful primitive effect is one that is likely to be harnessed for many years more.


Bob Dylan was a troubadour. Or so they say. The romantic vision of a minstrel drifting from town to town with only a guitar, a sack of pennies, and a voice remains a burning focus of academia, art, and the Folk Renaissance of the 1960s. Though folk was always a rather romantic genre.

But how did the occupation of itinerant Medieval musicians become synonymous with a sporadic decade of folk music, and more specifically Bob Dylan? From the High Middle Ages to the 1960s, this is the story of the troubadour.

Image: trob-eu.net

Who were the troubadours?

The major contrast with the modern romantic conception of troubadours is that they were not wandering, wayfaring musicians. They generally remained with a wealthy patron travelling from court to ebullient court.

The High Middle Ages were a time of robust economic and population growth in Europe commencing around 1000 a.d. and ending roughly at the 13th Century. It was preceded by the Dark Ages and followed by the Late Middle Ages – noted for its calamities such as the Black Death. Nevertheless, they had it good for a few hundred years of cultural opulence.

The Renaissance of the 12th Century was a particularly high moment of the era. Knights became increasingly common as a rise in chivalry led to tournaments being invented as a way for serfs to earn their freedom. The Crusades also occurred between the 11th and 13th Century as a way to establish Christian rule in the ‘Holy Land’.

More than ever monastic militants prevailed and Christian rule dominated. Interestingly, troubadours became well known secular entertainers, moving beyond religious themes to explore love and politics. This is perhaps where the troubadours of the 1960s got their inspiration, railing against dominant power structures of their time.

The first troubadour with surviving work is Guilhem de Peiteus who lived between 1071-1126. A key part of the troubadours identity was that they performed their own original material, though some troubadours, such as Arnaut de Maruelh, employed additional musicians such as ‘jongluers’ to perform their work. This was not typical, drifting more towards minstrels, who recited poems or songs to accompaniment. A bard, on the other hand, would recite or write heroic or epic poetry without music and were often of Celtic origin.

While Medieval society was brutishly male dominated, there are instances wherein women rose to prominence. Female troubadours were known as ‘trobairitz’, as troubadour was typically a masculine word. While they were less surviving manuscripts demonstrate

Musical and poetic similarities

Troubadours composed their own music and coupled this with original lyrics, demonstrating their immense capability as musicians. Much like the folk artists of the 1960s their sheer originality saw them embraced by the era.

The most common instruments in the High Middle Ages were woodwind and stringed instruments. Woodwinds such as the pan flute or recorder were often used for accompaniment but were rarely the primary instrument of the troubadour.

Instead they opted for strings to that they could sing and play. Lutes, gitterns, psalteries, rebecs, or citherns were commonplace for troubadours. Again this simple arrangement mirrors the ideals of folk purists.

The most popular forms of troubadour song craft still survive to this day. The sonnet and the aubade, of which Bob Dylan wrote many – Tangled Up In Blue och One Too Many Mornings. A tenso is a particularly interesting genre which is sung as a two-voiced debate – Boots Of Spanish Leather.

Finally, the majority of musical compositions for troubadours were monophonic, meaning they sung one note at a time without harmonies. Monophonic compositions relate to the chanting music used in churches in the Early Middle Ages and were rather simple in nature.

Again this is a conviction of the folk purists. Just one voice and the golden strings.

The modern troubadour

While there are many ‘troubadours’ that defined the 1960s, none defined the culture quite like Bob Dylan. He has been called everything from a ‘broken leg dog’ to the embodiment of Ovid, but more than anything he personified the freewheeling ways of the troubadour.

The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), The Times They Are A Changin’ (1964), and Bringing It All Back Hem (1965) are widely recognised as folk masterpieces, carrying on the tradition of the troubadour into a distinctly modern context. Renowned Harvard Professor Richard F Thomas even published a book in 2017, Why Bob Dylan Matters, arguing a convincing case for why Dylan is a distant poetic relative of Virgil, Ovid, and Homer, continuing the stream of groundbreaking word play.

But Dylan isn’t just the supreme American troubadour. He has tried his hand at prose too. Chronicles: Volume One proved his efficacy for long form profundity crossed with great American storytelling, landing him somewhere between Kerouac and Whitman. And if Chronicles proved it, the 2016 Nobel Prize for Literature cemented it.

Overall the essential mystery at the heart of Dylan is that nobody can explain him, least of all Dylan himself. Joan Baez once said, “If you’re interested, [Bob] goes way, way deep.”

Like all great folk artists he defies transcription, and eludes literary elucidation. He is either singularly reflective or murky as a swamp, and like all great mirrors of society, he says what we always thought but couldn’t say. As we listen now, and in the past, and perhaps for centuries to come the sonorous truth of one line will resound: The times they are a changing.


The Coronation

Ella: At the end of the final joust, the winning knight goes into the crowd and chooses a Queen of Love and Beauty. On this special evening, the blue knight, accompanied by the princess, stepped from the tournament arena, walked past many deserving young girls, and stopped when he reached me. 

Urvija: As the knight walked over to our section, I was entirely expecting him to stop at a seven-year-old girl waving the $30 flag her parents bought her.

Ella: As was I. But no. Sorry ‘bout your dreams, kid. Tonight, this tiara and sash were meant for me.

Ella: There is something incredibly validating about being crowned queen by a victorious knight who chooses you personally from a pool of, in theory, 500 candidates. You start to think, “What is it about me that exudes such elegance such royalty?” In this case, the answer was probably “the knight got told by the marketing guy that the lady in the fifth seat was here reporting a story.” But still. It makes you think.


Titta på videon: Medeltida Instrumental musik. (Februari 2023).

Video, Sitemap-Video, Sitemap-Videos